Por Meli.
Todo el que está interesado en las últimas tendencias de moda sabe que el más reciente objeto del deseo es la micro-cartera (mini bags o micro bags, en inglés), lideradas por la miniatura firmada por Jacquemus y lanzada el verano pasado: Le Chiquito, que más que una cartera —seamos realistas— parece un juguete.

Por Jen

Detalle de la colección Caprice, de Johanna Ortiz. Foto: Inexmoda
La semana pasada vimos culminar una nueva edición de Colombiamoda. Esta vez, la número 30 (en la que no pudimos estar por cuestiones de lejanía y bolsillo), que trajo una cantidad de contenido de remembranzas por parte de quienes han estado participando en la feria durante mucho tiempo, como el profesor William Cruz, quien nos dejó una colección de fotos maravillosas en su cuenta de Twitter desde los inicios hasta el presente del evento.

By Jen

It was over a month and a half that we sat down to tweet about the first Monday in May, the utterly famous Met Gala. And yet I cannot believe that it took me so long to write about it, even more, when I already visited the exhibition and we showed you all about on Instagram (if you haven't seen it, go to our profile and look for the highlighted story called Camp). However, because we still have until September 8th and we know there are people planning to come to New York for the summer (or not, but you still want the tea), we bring you a more in-depth review. 

Like you already know, Camp: Notes on Fashion is the 2019 exhibition that corresponds with the annual exhibition developed by the Costume Institute of the Metropolitan Museum of Art or MET, as we like to call it. Among other topics, the exhibition has explored the work of Schiaparelli and Prada, Charles James and Alexander McQueen, as well as more broad subjects such as the application of technology in fashion or, like with the record-breaking most ambitious exhibition in the museum's history, the catholic imagination. For this year, the MET and its team of curators (directed by the famous Andrew Bolton) decided that this year's exhibition theme would be Camp, with the essay Notes on Fashion essay, by Susan Sontag, as a starting point. Camp: Notes on Fashion is the museum's perspective that studies the artifice and the exaggeration of this aesthetic to translate it to the garments, and for the first time, makes a total hit of translating all of this academic theory into the museum.

Left: Balenciaga, 1952. Right: Thierry Mugler Haute Couture, 1995

In our post of last year's exhibition, Heavenly Bodies, we talked about how one's perspective can change thanks to preparation and careful study. When Melissa and I visited our first MET exhibition, Manus Ex Machina in 2016, we spent hours admiring the exquisite quality of the pieces, the intricate work of the garments and how related they were to the theme. We were not concerned about logistic aspects, lighting, the insights from the curatorial labor, mostly because we were unable to identify them. For last year, after a year of a master in Fashion Studies, everything changes, and that translated into our review, which was not the most positive for an exhibition that aimed to be mainstream and lost all the substance and seriousness. With Camp, the experience was completely different.

The entrance of the exhibit: Pink Camp.
The first thing to say about Camp is that is the first time in a long time that the museum chooses a topic highly talked and studied in academia as the key bone of the exhibition, something that I cannot remember happening before (I can't find evidence of this). The closest to a cultural exploration has been China Through the Looking Glass and that exhibition was highly criticized, and please let's not talk about Heavenly Bodies because I will lose it: an exhibition that the Vatican pretty much bought into being all about the Catholic Church and ended up being a bunch of pieces that did not make much sense together.

With Camp, the tone was set lower (a complete irony, given the theme), but it was a smart move because the theme is not exactly suitable for masses. The exhibition is located in the Iris and B. Gerald Cantor Gallery, in the west wing od the museum, and it's an explosion of exaggeration, just like Camp preaches. However, given the theoretical weight of the concept, ample illustration was required. And the MET certainly delivered. The design of the exhibition starts with a strong clarification: Sontag did not invent Camp (there are people thinking she did) nor was this a concept that was born close to the essay that sustains the exhibit. In big blocks of text that are absolutely worth reading, the museum explains the transition and transformation of the concept, from the Century 2 BC.

Representation of Frederick 'Fanny' Park and Ernest 'Stella'
Boulton, who got confiscated 'drag costumes' in 1870

Camp, according to what is explained along the way, is a concept that was defined in the 20th century but has much deeper roots. The team at the Costume Institute placed this origin in the concept of the Beau Ideal, in the 19th century, when the first notions of the masculine ideal were starting to spread and this developed in the ideas of love between men and the exaggerated poses of the gender's aesthetic. The exhibition starts then to divide into four different sections: ´Camp as a as an aesthetic for French royalty (men who used the expression 'Se Camper' as an instruction to pose in an over-the-top way), the link between the idea of Camp and homosexuality (exploring gay authors such as Oscar Wilde and dressing 'him' in Camp); the concepts of High and Low Camp from Christopher Isherwood and, finally, the notes by Sontag. In the last section of these 'galleries' with information, the museum picked notes of the essay and linked them with pieces of the exhibition, from different eras and from the universe of clothing and interior decoration.

Oscar Wilde, photographed by Napoleon Sabony, 1882. Recreation of costumes
with a faux fur jacket by Gucci.

The notions of high and low camp, by Isherwood, frame the 'queer'
aesthetic in the group of low camp, and the sailor as a symbol of that aesthetic, in the 1940s.
Sontag had to be there, of course.
In the links with the notes by Sontag, there's place for the literal: "Camp is a woman walking in a dress with a thousand feathers". The dress is Balenciaga, fall 1965

After a concept with an important weight that, I insist, is totally worth reading, the exhibition goes to a big hall with more Camp quotes in which we can see, among others, the vintage Mugler that Cardi B wore at the Grammys, and this all leads to the main gallery of the exhibition: a hall with multicolored 'windows' that offer a very psychedelic vision of the space, nothing more camp. In there, the designs were group into "18 premises that communicate aspects of the camp sensitivity", each garment with a quote or explanation of why they're associated in each group. In there, we find designs by Moschino (both from Franco Moschino and Jeremy Scott, who found the perfect niche to be praised), Burberry, Paul Poiret, Mary Katranzou and Bob Mackie, among many others, all echoing the theatrics and expression of camp, with designs so flamboyant like the famous flamingo head that is the image of the ads (from Bertran Guyond for Schiaparelli), the swan dress that Bjork made famous, designed by Marjan Pejoski (which by the way was in very poor condition, and indication that the conservation team found it an even worst state) and some others less mainstream designers such as Walter van Beirendonck, Belgium, Michael Travis, American or Manish Arora, Indian.

General views of the main hall.
Left: Mary Katranzou, spring 2011. Right: Paul Poiret, 1912

Left: Walter van Beirendonck, fall 2001. Right: Commes des
Garcons, spring 2018
That very balanced mix of known names and more independent designers is one of the aspects that, in my opinion, nurture the content of Notes on Fashion. Last year we criticized this aspect because it felt like the mainstream replica of New York Fashion Week without a logical explanation, but this time they gave it a better order, a more serious tone and they made sense of most of the designers in the exhibit, which is a notion flexible and malleable enough to make very little off-limits.

The Camp sensibility is one that is alive in the double sense in which things can be seen", says this section, with 'optical illusion' dress by de Chloé, fall 1983 (left) and Gucci, resort 2018 (right)

Romance Was Born (Australia), spring 2015

Design by Bob Mackie, Cher's longtime costume designer
Now, when I say some of the designers were justified... that's when my first complaint comes because many names still have not too many reasons to be there. Last year, for one of my classes, I was part of a field trip to the archive of the Costume Institute and talked to the conservators, who showed us some of the pieces that would be part of this year's exhibition (we couldn't take photos for obvious reasons). They did not say anything but almost everything was Gucci, which made me think that they already had a topic in mind (Vanessa Friedman has said that Andrew Bolton is "obsessed with Camp) and they just looked for pieces that fit. No big deal, one might say, but then months after that, when the museum announced the theme, it was also announced that Gucci was going to be the sponsor and that Alessandro Michele would be one of the co-chairs. It was as if Gucci was buying its own exhibition like Dolce & Gabbana did last year. Just to be clear, I'm not implying that Gucci does not fit into the concept of Camp, but it would be interesting to ask whether we would've seen as much of the brand if it wasn't due to its financial involvement here. Of course, it is naive to think that these contributions are not the angular piece of these type of exhibitions, but it certainly places a shadow on the real motifs of it.

Deirdre Hawken, 'Cauliflower', 2013

Yep, this Gucci loafer is also camp (according to the MET)
And there you go... long, but that is my only complaint about Camp. The exhibition is thoroughly curated, with a mix of 'unknown' exciting designers, and a sample of the most extravagant that fashion has to offer. It has color, couture, independent design and good design of the spaces (although the music is still too loud), but most importantly: Camp has substance. As fashion enthusiasts, academics or not, it is important that we address the importance of any fashion project based on the seriousness of the sources, facts, and history. There are those who think this is boring, and this exhibition proves them wrong. This year, the MET showed us that you can craft a project with weight, color and shine to appeal all types of audiences.

Por Jen

Hace ya un mes y medio que nos sentamos a tuitear sobre el primer lunes de mayo, la tan conocida y amada Gala del Metropolitan Museum of Art o MET, como se conoce en todo el mundo. Y sí, no puedo creer que hasta ahora, mes y medio después, esté escribiendo de ello. Más aun porque hace mes y medio visité la exhibición por primera vez y se las mostramos en Instagram (si no la han visto, vayan a nuestro perfil y busquen la historia destacada que se llama Camp), pero como todavía tenemos hasta el 8 de septiembre, y sabemos que hay muchos que tienen a Nueva York en sus planes de verano (o no, pero todavía quieren el chisme), les traemos una reseña más en detalle.

Como saben, Camp: Notes on Fashion es la exhibición 2019 correspondiente a la muestra que cada año realiza el Costume Institute del Metropolitan Museum of Art. Entre otras temáticas, las exhibiciones se han centrado en el trabajo de Schiaparelli y Prada, Charles James y Alexander McQueen; pero también en temáticas más amplias como la aplicación de la moda en la tecnología y, en lo que fue su exhibición más visitada y ambiciosa hasta la fecha, la imaginación católica. Para este año, el MET y su equipo de curadores (dirigidos por el famoso Andrew Bolton) decidieron que la temática de la exhibición sería la estética Camp, teniendo como punto de partida el ensayo 'Notes on Camp', que publicó la escritora estadounidense Susan Sontag en 1964. Camp: Notes on Fashion es la perspectiva del museo en una estética que abraza el artificio y la exageración para traducirla al vestuario, y por primera vez logra con éxito traducir el mundo académico a la exhibición.

Izquierda: Balenciaga, 1952. Derecha: Thierry Mugler Haute Couture, 1995

En nuestro post de la exhibición del año pasado, Heavenly Bodies, hablamos un poco de cómo es posible que la perspectiva sobre una exhibición de moda cambie con la preparación y el estudio. Cuando Melissa y yo visitamos nuestra primera exhibición del MET, Manus Ex Machina en 2016, nos dedicamos a admirar la exquisitez de las piezas, su dedicada elaboración y su pertinencia con el tema. Poco nos interesaron los aspectos logísticos, los guiños de la curaduría, porque no podíamos identificarlos con claridad. Para el año pasado, después de un año de Fashion Studies, todo cambió, y eso se reflejó en nuestra reseña, que no fue la más positiva para una exhibición que quiso ser demasiado 'popular' y a mi parecer perdió la sustancia y la seriedad. Con Camp, estoy muy feliz de reportar que la experiencia fue distinta.

La entrada a la exhibición: rosa y bien nutrida

Lo primero que hay que decir es que es la primera vez en mucho tiempo que el Costume Institute escoge una temática ampliamente discutida en la academia como el eje central de la muestra, algo que, hasta donde me llega la memoria (no encuentro registro del tema) yo no había visto. Lo más cercano a una exploración cultural había sido China Through the Looking Glass y esa exhibición fue ampliamente criticada, y ni hablemos de Heavenly Bodies que me va dando escozor: una exhibición que el Vaticano básicamente manipuló para que fuera toda sobre la religión católica y terminó siendo una colcha de retazos regada por todo el museo sin ningún hilo conductor.

Con Camp, el tono se redujo considerablemente (una ironía, teniendo en cuenta el tema), pero fue la mejor decisión. La exhibición está ubicada en la galería Iris and B. Gerald Cantor, en el ala oeste del museo, y es una explosión de ese artificio y exageración que defiende el concepto de Camp. Sin embargo, dado el peso teórico del concepto (que te explicamos a profundidad aquí), era necesaria una ilustración amplia. Y ahí el MET cumplió. El diseño de la exhibición comienza con una aclaración certera: Susan Sontag no se inventó el Camp (hay muchos creyendo que sí) y tampoco es un concepto que haya nacido de forma paralela al ensayo que es la base de la muestra. En textos largos pero que vale absolutamente la pena leer, se explica la transición y transformación del concepto, desde el siglo II antes de Cristo.

Representación de Frederick 'Fanny' Park y Ernest 'Stella'
Boulton, a quienes se les fue confiscado "vestuario drag" en 1870

Camp, según nos explica el recorrido, es un concepto que se definió en el siglo 20, pero que tiene raíces mucho más profundas. El equipo del Costume Institute situó este origen en el concepto del 'Beau Ideal', en el siglo XIX, cuando se empezaron a dibujar las nociones del ideal masculino perfecto y esto dio paso a ideas sobre amor entre hombres y las poses exageradamente estéticas del género. La exhibición comienza entonces a dividirse en cuatro secciones más: Camp como estética en el mundo de los reyes franceses (que usaban la expresión 'Se Camper' como instrucción para posar de manera exagerada), la relación de la idea de Camp y la homosexualidad (pasando por autores gay como Oscar Wilde y 'vistiéndolo con su idea de Camp); los conceptos de High Camp y Low Camp de Christopher Isherwood y, finalmente, las notas de Sontag. En esta última sección de las galerías 'con sustancia' de la exhibición, se escogieron notas del ensayo y se asociaron con ciertas piezas de la exhibición de distintas èpocas y universos del vestuario y la decoración.

Oscar Wilde, fotografiado por Napoleon Sabony, 1882. Recreación de
vestuario con una chaqueta de piel sintética de Gucci.

Las nociones de alto y bajo camp, de la mano de Isherwood, agrupan la estética 'queer'
en el concepto de bajo camp, con el marinero como símbolo de esa estética, en la década del 40
No podía faltar, por supuesto, el homanaje a Sontag.
En las asociaciones de las notas de Sontag no falta la literalidad: "camp es una mujer con un vestido
lleno de plumas". El vestido es de Balenciaga, otoño 1965

Después de un contexto con peso que, insisto, vale la pena leer, el recorrido pasa por un corredor con más citas de Camp en las que podemos ver, entre otros, el Mugler vintage que se puso Cardi B en los Grammy, y llega al salón principal de la exhibición, una sala con 'vitrinas' de muchos colores que ofrecen una visión sicodélica y colorida del espacio, nada más camp. Allí, los diseños fueron agrupados "bajo 18 premisas que comunican aspectos de la sensibilidad camp", cada ensable con una explicación o cita de por qué están en dicho grupo. Allí encontramos diseños de Moschino (tanto de Franco Moschino como de Jeremy Scott, que encontró en esta exhibición su nicho perfecto para exhibirse), Burberry, Paul Poiret, Mary Katranzou y Bob Mackie, entre muchos otros, haciendo eco de la teatralidad y exageración del camp, con diseños tan llamativos como la cabeza de flamingo que adorna las piezas publicitarias de la muestra (de Bertrand Guyond para Schiaparelli), el vestido de cisme de Bjork, diseñado por Marjan Pejoski (que por cierto estaba bastante maltratado, se nota que el equipo de conservadores lo tuvo que haber rescatado en condiciones malucas) y otros menos mainstream como el belga Walter van Beirendonck, el estadounidense Michael Travis o el indio Manish Arora.

Vistas generales de la exhibición
Izquierda: Mary Katranzou, primavera 2011. Derecha: Paul Poiret, 1912

Izq: Walter van Beirendonck, otoño 2001. Der: Commes des
Garcons, primavera 2018
Precisamente esa mezcla balanceada de nombres y marcas populares con otras menos célebres es una de las características que, a mi juicio, hace más rica la composicion de Notes on Fashion. El año pasado habíamos criticado este aspecto porque se sintió como una réplica de la semana de la moda sin ninguna justificación, pero aquí al menos quisieron ponerle un poco de orden, un tono más serio y justificar algunas apariciones de diseñadores que encajan en la idea de camp, que de por si es una noción extensa y flexible, así que no había mucho que estuviera fuera de los límites.

Camp es el doble sentido en que las cosas pueden ser tomadas, dice la leyenda de esta
vitrina, con vestidos de 'ilusiones ópticas' de Chloé, invierno 1983 (izquierda) y Gucci, resort 2018 (derecha)

Romance Was Born (Australia), primavera 2015

Diseño de Bob Mackie, estilista y vestuarista de Cher, la reina del camp de su época

Ahora, cuando digo que algunas apariciones fueron justificadas es cuando viene la primera queja... porque muchos nombres siguen estando ahí sin razón. El año pasado, en una de mis clases, tuve la oportunidad de visitar el archivo y las oficinas de los conservadores del instituto, y nos mostraron algunas piezas que harían parte de la exhibición de este año. No nos dijeron nada, pero casi todo era Gucci, lo que hace pensar que ya tenían una temática definida (Vanessa Friedman asegura que Andrew Bolton está "obsesionado" con Camp) y que simplemente buscaron marcas que encajaran. Nada raro, dirían ustedes, si no fuera porque meses después, cuando se anunció el tema, se anunció que Gucci sería uno de los patrocinadores principales y que Alessandro Michele estaría entre los co-chairs de la gala. Es casi como si Gucci estuviera comprando su participación en la exhibición, como lo hizo el año pasado Dolce & Gabbana. Aquí hay que aclarar que no estoy diciendo de ninguna manera que Gucci no encaja en la estética camp, pues por más que Michele no sea de mis afectos entiendo su relación con la temática, pero sería también interesante preguntarse qué tanto Gucci habríamos visto de no ser por esta alianza, y qué tan arbitrario se nos hubiera antojado el posicionamiento de algunas piezas de la casa italiana de no ser por su participación monetaria en el proyecto. Por supuesto, es inocente pensar que estas donaciones no son las que sostienen y dan vida a las muestras, pero todo permite un manto de duda sobre la realidad de las intenciones que se mueven tras bambalinas.

Deirdre Hawken, 'Coliflor', 2013

Sí, ese zapatico de Gucci también es camp (según el MET)
Y aunque extensa, esa tal vez es mi única queja de Camp: Notes on Fashion. La exhibición está inteligentemente curada, con una mezcla de diseñadores 'desconocidos' que emocionan, y una muestra de lo más extravagante que la moda que amamos tiene para ofrecer. Hay color, alta costura, diseño más independiente y buena disposición de los espacios (aunque con una música bastante fuerte, segundo año que hacen lo mismo), pero sobre todo, hay sustancia. Como entusiastas de la moda, académicos o no, es importante que nos demos cuenta de lo crucial que es para cualquier tema estar fundamentado en la seriedad de las fuentes, de los hechos y la historia. Hay quienes creen que eso es aburrido, y esta exhibición es la prueba de lo contario. El MET nos demuestra que se puede hacer una muestra con peso, color y brillo para atraer a todo tipo de público.
By Jen.
Photos: Entertainment Tonight and Popsugar
Por Jen.
Fotos: Entertainment Tonight y Popsugar
Por Jen

Andrew Bolton en la rueda de prensa del evento.
Fotos: WWD y The Metropolitan Museum of Art

Por Meli.

La alfombra roja más esperada del año no nos defraudó. Las celebridades nos entregaron tantas propuestas de moda interesantes que nuestra lista de mejor vestidas era significativamente más larga que la de peores y menciones especiales, así que tuvimos que ser valientes y dejar a algunas por fuera para hacer este post más equilibrado.

Por Jen

Fotos: Vogue Runway

Llegó nuevamente una de las semanas más ocupadas del año: New York Fashion Week. Y aunque esta temporada no hubo tiempo de chismosear nada, nadita, en persona (gracias, tesis querida), pero no podíamos dejar de reseñar una de las épocas en las que más disfruto mirar una pasarela tras otra, así que aquí estamos otra vez.

Para el otoño de 2019 hubo muchas inspiraciones, por supuesto, pero muchos de los diseñadores/marcas que reseñamos tienen en común dos cosas que nos encantaron: guiños al 'power suit' de los 80 con aires muy, muy modernos, y una sutil oda a la nostalgia, con siluetas retro en hombreras, abrigos llamativos y, sobre todo, ¡supermodelos! Sí, así como lo leen... algunos nombres que hace mucho tiempo no se escuchaban, y que le imprimieron un sello especial a la seguidilla de Kaias, Gigis, Bellas y todas las chicas de Instagram que aunque bellas, no se comparan con las modelos de verdad. 

Marc Jacobs

Ustedes saben que yo no puedo ser imparcial con Marc. Pero esta temporada me sorprendió darme cuenta de lo balanceado que mi showman favorito se ha vuelto, sin perder su esencia teatral. Para el otoño de 2019, Marc propuso una danza de siluetas que incluye grandes faldas, hombros al aire para los vestidos y abrigos de colores, que resultan refrescantes para el invierno que siempre está lleno de azul navy, morados y verdes. Y aunque Marc los usó, junto con el negro, logró juntar una gran paleta que llega a las más osadas y también a las que tienen un poco de miedo a atraverse; además de cerrar con el titular más grande de la semana de la moda: el regreso de Christy Turlington después de casi 30 años, en un vestido hermoso que solo nos recordó la época de las amazonas que ella lideró. 

Jason Wu

Desde la temporada pasada, Jason Wu decidió dividir sus presentaciones entre Jason Wu, la firma de ready to wear, y Jason Wu Collection, que se presenta en el mismo calendario pero que está más orientada al trabajo a mano. Algo así como su propia versión de alta costura sin tener que pasar por todos los requerimientos parisinos.

Y aunque la estética de Wu no es ajena a este blog, debo admitir que a esta colección llegué por nuestra amiga Daniella, la famosa Gastroglam, que amó el vestido palo de rosa. Y debo decir, que yo amé todo. La colección, compuesta por solo 18 looks, muestra un lado muy suave de Jason Wu quién, inspirado en los pétalos de las flores, creó un universo de vestidos de fiesta que apela a la más femenina de las mujeres. Y aunque los vestidos largos son especialmente bellos, los cortos se roban el show por ser juguetones, y un contraste bello para el otoño.
Christian Siriano

Este año, Christian Siriano fue parte de la polémica de la temporada. Unas horas después de mostrar su colección, Siriano fue señalado por Diet_Prada de copiar un diseño de Valentino, que dicho sea de paso, sí se parece mucho al suyo. Como respuesta, el diseñador decidió retirar el vestido de la colección (es decir, no llegará a las tiendas) y aseguró que como director creativo no puede encargarse de cada vestido que sale. Ahí flaqueó porque el papel de un diseñador/director creativo es precisamente ese, crear y supervisar los diseños de una colección, así que lavarse las manos así es simplemente una muy mala excusa.

Pasando ese punto, la colección atrajo miradas porque como siempre, estuvo preciosamente ejecutada. Comenzó con una ola de plateados que desembocó en una mezcla con negro, dándole paso al azul klein que jugó con volúmenes y largos de faldas de una manera exquisita. Hubo abrigos de piel falsa, trajes de dos piezas (¿empiezan a ver un patrón?) y vestidos de fiesta espectaculares. Y además, hubo algo para todas las tallas, algo tradicional en Siriano que simplemente nos hace quererlo cada día más.

Oscar de la Renta

Desde el retiro del diseñador (que falleció algunos meses más tarde) cada colección de Oscar de la Renta ha sido como descubrir un atributo más de la marca, atada a los años de tradición y estética que tan cuidadosamente forjó el dominicano. Esta vez, la colección tuvo pantalones cortados de forma exquisita, combinados con crop tops (desde aquí siento a Meli voltear los ojos) y abrigos con texturas bien interesante. Mis favoritos estuvieron, sin embargo, en la mitad: los vestidos devoré (una técnica en la que el terciopelo es 'quemado' para que quede mitad transparencia y mitad terciopelo) con unos colores bellos y perfectos para esta temporada de alfombras rojas. La alegría de Óscar sigue estando ahí, pero ahora es una mujer que puede vestirse de su diseñador favorito en cualquier momento del día.

Carolina Herrera

Esta situación es muy similar a lo que sentimos con Óscar de la Renta, porque desde que la gran Carolina dio un paso al costado, siempre hay mucha expectiva hacia lo que Wes Gordon va a mostrar, y nos alegra anunciar que la esencia de la marca sigue intacta, con algunos toques más divertidos y frescos, una muestra de actualidad necesaria. Para el otoño, Carolina Herrera rompe la regla gringa de no usar blanco después del Día del Trabajo (que en este país cae en agosto, ajá), y propone atuendos completamente blancos para combatir el frío, pero también propone fucsias, amarillos, azules y verdes en un desfile de vestidos de coctel que llevan el sello CH y trajes poderosos perfectos para una clienta joven y dinámica.


Una de las cosas más chéveres que me ha traído mi trabajo en The RealReal es acercarme a marcas que antes no había rozado, y una de las que me tiene enamorada últimamente es Self-Portrait. La razón está en su mezcla atrevida de estampados, sus juegos de volúmenes y su estética que también es una mezcla de todo. En este desfile, por ejemplo, combinaron las siluetas delicadas con baletas, en vez de tacones, con modelos calvas de maquillaje fuerte. Los contrastes de la marca, que tiene un trabajo de encaje de colecciones pasadas bue-ní-si-mo, son un encanto que vale la pena mirar.

La primera en este collage es Paula Nieto, una modelo
barranquillera que promete mucho.
Siento que Melissa va volver a voltear los ojos, es más, va a regañarme cuando vea esto pero aquí va: nunca antes un montón de terciopelo se vio mejor. A través de este material que usado de manera exagerada puede verse muy mal, Carly Cushnie mostró que el universo femenino es mejor que vestidos, y además que las texturas enriquecen cualquier atuendo por sencillo que sea.

Y eso fue lo que pasó aquí: la textura del terciopelo hizo más interesante un conjunto 'sencillo' de top y pantalón, o un traje con la cintura marcada, en colores propios del otoño como el vino o el azul. Y, para coronar esta pasarela simple y femenina, tuvo la presencia de una modelo colombiana: Paula Nieto. Esta chica, junto con Natalia Montero y Salomón Díaz hace parte de los talentos colombianos en las pasarelas de Nueva York, y guarden el nombre porque la van seguir viendo, y por supuesto nosotros se los vamos a contar.

Elie Tahari

Hablando de terciopelo, power suits y supermodelos, Elie Tahari tuvo una colección que lo reunió todo. Para este otoño se inspiró en los 70, la era que vio nacer la necesidad de las mujeres de verse poderosas en los entornos laborales, y creó pantalones de cuadros, abrigos con 'animal print', plisados y mangas con volumen. Todo dentro de una paleta de neutros que contrastó con azules y verdes, cerrando con Christie Brinkley, ícono de la decada en que se inspiró, envuelta en un traje de terciopelo verde que nos recordó que hay ciertas cosas que nunca cambian.

Tadashi Shoji

Marquen estas palabras: azul klein y verde esmeralda para el otoño de este año. Y nosotras no podíamos estar más felices, como me hizo feliz la colección de Tadashi Shoji, repleta de colores joya. Para esta vez, el diseñador se inspiró en las batas de los monjes asiáticos y jugó con las mangas y los largos de las faldas, pero también con drapeados, encajes y un detalle precioso: el efecto degradado de los colores. Atención especial para el enterizo azul de mangas caídas en el que quiero vestirme este y todos los días de mi vida, y los vestidos de fiesta que alguien se tiene que poner para los Óscar, espero no me decepcionen.